Catalogues


Caída Libre


Josefina Guilisasti’s intervention in the Chile Room deals with questions about the value of a cultural heritage and its connection to painting in various shapes and formats, arousing reflections about political and cultural subjects. Her vision crosses the boundaries of regular artistic concerns and enters the field of museography. She has a particular interest in the concept of the museum and the way in which museums represent a paradigm of the history/patrimony relationship, provoking sharp questioning abouthow, where and why historical pieces are united with contemporary art.


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Josefina Guilisasti’s intervention in the Chile Room deals with questions about the value of a cultural heritage and its connection to painting in various shapes and formats, arousing reflections about political and cultural subjects. Her vision crosses the boundaries of regular artistic concerns and enters the field of museography. She has a particular interest in the concept of the museum and the way in which museums represent a paradigm of the history/patrimony relationship, provoking sharp questioning abouthow, where and why historical pieces are united with contemporary art.

Expolio


The seizure and destruction of artworks is a recurring problem that usually escalates in association with humanitarian disasters resulting from armed conflict. This phenomenon not only has dramatic consequences for a people’s memory and constitutes a threat to the World Heritage, it reaffirms the oppression and domination that has taken place in many parts of the world throughout human history.

The world became aware of the true scope of plunder in the late 1930s, when Adolf Hitler organized the systematic, industrial-scale theft of great master works housed in European museums and in private art collections, many of them owned by persons of Jewish descent. The theft and destruction of priceless pieces did not end there, however, and the successive conflicts that have plagued the Middle East even to this day illustrate clearly the great extent of looting and targeted theft during wartime.

Through Expolio/Plunder, artists Josefina Guilisasti, Diego Martínez and Francisco Uzabeaga seek to problematize the value of art and its role in housing the memory of a people. They also examine the quality that makes artworks objects of desire and symbols of power, and offer a reflection on how art can become an emblem of the human drama associated with armed struggle.


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La usurpación y destrucción de obras de arte se constituye en una problemática recurrente, que usualmente surge asociada a la catástrofe humanitaria provocada por los conflictos bélicos. Este fenómeno de dramáticas consecuencias para la memoria de los pueblos y atentatorio contra el patrimonio de la humanidad, es una reafirmación de poderío y dominación que ha ocurrido en diferentes zonas geográficas a lo largo de la historia de la humanidad.

El mundo conoció el verdadero alcance del expolio a fines de la década de 1930, cuando Adolf Hitler organizó el robo sistemático y a escala industrial de las grandes obras maestras que atesoraban los museos europeos y los coleccionistas de arte, muchos de ellos de origen judío. No obstante, el robo y destrucción de piezas invaluables no se detuvo entonces, pues los conflictos sucesivos que han afectado al Medio Oriente hasta nuestros días, son una muestra clara de que el saqueo y el robo por encargo proliferan de la mano de la guerra.

A través de Expolio, los artistas Josefina Guilisasti, Diego Martínez y Francisco Uzabeaga buscan problematizar en torno al valor del arte y su rol como espacio de memoria de los pueblos. Junto con esto, indagan sobre la cualidad que hace de las obras objetos de deseo y símbolos de poder, planteando, además, una reflexión sobre la constitución del arte en emblema del drama humano asociado a las luchas armadas.

Objetos Light


Objetos Light consists of 60 white and coloured translucent silicone pieces shaped by moulds taken of different objects originally made of porcelain. This series of artifacts has been installed in one of the window displays of the Museo de Artes Decorativas de Santiago (Santiago Museum of Decorative Art), establishing a dialogue and contrasting with the collections housed therein.

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Objetos Light se compone de un total de 60 piezas de silicona blanca y de colores traslúcidos, cuyos moldes han sido tomados de diferentes artículos antiguos hechos originalmente en porcelana. Este conjunto de artefactos han sido instalados en una de las vitrinas del Museo de Artes Decorativas de Santiago, estableciendo diálogo y contrastes con las colecciones que allí se atesoran.


Still Life


The book I am presenting here is called Still Life, and it brings together work I have done over a decade and more in my attempt to carry out a personal rereading of the still life genre. Whereas this genre has traditionally been based on a fairly simple staging of items on a table, from my perspective I have incorporated a less obvious, twofold aspect, breaking down this traditional scene by focusing on the individual existence of certain components of this world that suggest processes, private and commercial histories, pilgrimages, territorial discoveries, stages of colonisation, exploitation and the development of capital. Thus, I depict objects such as jugs, dishes, cups, pans, plates, teapots, china birds and Persian carpets from different viewpoints, translating their material substance: aluminium (The Vigil), enamel (The Jug on the Table), chinaware (Still Life, Mourning and Souvenir)) and carpet fabrics (Paradisus).

I depict these in my work using a continuous schematic working system, thus forming series that range from seventy-two paintings in the case of The Vigil to a hundred and eighty in Mourning. I use a mass production system to mechanise the production of each painting: over a period of a year or two, I paint a set number of items a week, and this process culminates in a final selection and installation of pieces in accordance with the particular characteristics of the exhibition space. And here it should be noted that the format of Still Life alters the way my work is presented: what in the exhibitions were series (with each piece forming part of a whole) are broken up in these pages and the objects depicted are presented individually to the reader, the idea being for each painting to be looked at anew in isolation from its series.


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El libro que presento en esta oportunidad se titula Still Life y reúne la obra desarrollada por más de una década, lapso en el que he procurado una relectura personal del género naturaleza muerta. Si en términos tradicionales dicho género se basa en una puesta en escena más bien simple de elementos sobre una mesa, desde mi perspectiva incorporo un aspecto menos evidente y doble al escindir esta escena clásica en función de un acercamiento a la existencia individual de ciertos componentes de ese mundo que sugieren procesos, historias privadas y comerciales, peregrinaciones, descubrimientos de territorios, etapas de colonización, explotación y desarrollo del capital. De tal manera, se representan pictóricamente, desde diversos puntos de vista, objetos tales como jarros, vasijas, tazas, ollas, platos, teteras, pájaros de porcelana y alfombras persas, traduciendo sus materialidades: aluminio (La vigilia), enlozado (El jarro sobre la mesa), porcelana (Bodegones, El duelo y Souvenir ) y tejidos de alfombras (Paradisus).

En mi obra los reproduzco pictóricamente, utilizando un sistema de trabajo esquemático y continuo. Así, formo series que van desde setenta y dos pinturas, en el caso de La Vigilia, hasta ciento ochenta, en El Duelo. Mecanizo la realización de cada pintura en una producción masiva: en un periodo de uno a dos años, pinto una determinada cantidad de elementos semanalmente; el proceso culmina en una muestra final, cuyas piezas son seleccionadas e instaladas conforme a las características particulares del espacio para la exhibición. En este sentido, cabe consignar que el formato de Still Life modifica la forma de presentación de mi obra: lo que en las exposiciones fue una puesta en escena de series (cada pieza formando parte de un todo) se rompe en las páginas, ya que los objetos representados se imponen al lector de forma individual con la idea de posibilitar el acercamiento a cada pintura extraída de una u otra serie.
Construcción de dos miradas


The visual artists Josefina Guilisasti and Alvaro Oyarzún exhibit Construcción de dos miradas (Construction of Two Gazes) at the AFA Gallery. This show synthesizes the work they have been developing for a while. Both, albeit working separately have elaborated works that converge on the reflection about tradition in painting from a contemporary art standpoint. Not a minor question if we consider this tradition as one of the core issues of the representation theory, the notion of image and the figure of the artist. These are the concepts developed by Guilisasti and Oyarzún in their work. The path we will traverse through their “two gazes” starts with the analysis of their works in an autonomous manner, and, then, they entwine their proposals in a similar area; the previous, with the objective of making their encounters and confrontations that arise from the desire –shared– to construe a work that, from art, dialogues with itself.


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Construcción de dos miradas, exposición que sintetiza el trabajo que han venido desarrollando desde hace un tiempo. Ambos, no obstante trabajar por separado, han elaborado obras que convergen en la reflexión sobre la tradición de la pintura desde el arte contemporáneo. Cuestión no menor si pensamos esta tradición como uno de los ejes centrales de la teoría de la representación, la noción de imagen y la figura del artista. Estos conceptos son los desarrollados por Guilisasti y Oyarzún en su obra. El recorrido que estableceremos hacia sus “dos miradas” se inicia con el análisis de sus trabajos de manera autónoma, para, luego, entrelazar sus propuestas en un mismo terreno; lo anterior, con el objetivo de explicitar los encuentros y enfrentamientos que surgen del deseo –compartido– de construir un trabajo que, desde el arte, dialoga consigo mismo.
Bodegones


As many of us know, the genre of the still life dates back to antiquity, and is characterized by the representation of one or more objects belonging to the world of domestic life. Historically, the academy has tended to regard the still life as a minor genre, because of this connection to domesticity; after all, still life subjects usually come from the kitchen.

For this reason the genre was often relegated to secondary spaces, scarcely ever displayed in the great private salons. Some even felt that the genre was so lacking in greatness that the ability and talent of a good copyist were enough to satisfy its requirements.


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Sabemos que el género de la naturaleza muerta existe desde la antigüedad, y se destaca por representar uno o varios objetos provenientes de la vida doméstica. Históricamente el bodegón ha sido entendido por la academia como una materia menor, a causa de su relación con el espacio doméstico (sus temas siempre rondan la cocina). Por ello su habitual reclusión a lugares secundarios y su escasa figuración en los grandes salones privados. Se ha llegado a decir que el género, carente de grandeza, sólo requería del talento y habilidad de un copista.

Josefina Guilisasti es una artista que por más de una década ha puesto la atención de su trabajo en la naturaleza muerta.
Dos camas, un velador, una silla
y un cristo


Uno de los gestos más sugerentes, del presente trabajo de Josefina Gulisasti, es el carácter textual de su modelo. El texto aludido no es una obra literaria, sino un escrito funcional, cuya intención es fijar “oficialmente” un precio, restringir el uso de determinados objetos. Dos camas, un velador, una silla y un cristo, es una cita que proviene de una tasación de bienes muebles. Su literalidad, es el resultado de la representación burocrática de objetos disminuidos, vaciados de su particularidad y significado. Cada pieza –que tuvo alguna vez una identidad, un color, una historia, un lugar– es convertida en una palabra, en un objeto anónimo y en una imagen aleatoria (hay más de dos sillas y no hay, entre las 108 fotografías, ninguna cama).

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Uno de los gestos más sugerentes, del presente trabajo de Josefina Gulisasti, es el carácter textual de su modelo. El texto aludido no es una obra literaria, sino un escrito funcional, cuya intención es fijar “oficialmente” un precio, restringir el uso de determinados objetos. Dos camas, un velador, una silla y un cristo, es una cita que proviene de una tasación de bienes muebles. Su literalidad, es el resultado de la representación burocrática de objetos disminuidos, vaciados de su particularidad y significado. Cada pieza –que tuvo alguna vez una identidad, un color, una historia, un lugar– es convertida en una palabra, en un objeto anónimo y en una imagen aleatoria (hay más de dos sillas y no hay, entre las 108 fotografías, ninguna cama).
Pinturas


It is difficult to describe Josefina Guilisasti’s paintings in pictorial terms.

Verisimilitude, illusion and attachment to a model order and structure each of her canvases, and it is possible to identify, in the majority of her works, a link with the minor genres of painting - still life, landscape. The effect of reality and the represented subject matter, however, are instead artifices of technique. They are strategies that trap viewers in common situations and places that they believe they recognize and identify with painting, but that obscure and camouflage an anxiety and a movement toward other less specific artistic media.


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Es difícil describir las pinturas de Josefina Guilisasti en términos pictóricos.

Aunque, la verosimilitud, la ilusión y el apego a un modelo ordenan y estructuran cada una de sus telas y sea posible identificar, en la mayoría de sus trabajos, un vínculo con los géneros pictóricos menores -naturalezas muertas, paisajes-, el efecto de realidad y el asunto en ellas representado son más bien artificios de la técnica, estrategias que entrampan al espectador en situaciones y lugares comunes que él cree reconocer e identificar con la pintura, pero que ocultan, camuflándolo, un afán y un movimiento hacia otros medios menos específicos del arte.
Marfa – Puerto Viejo


Josefina Guilistasti’s work creates a sense of unfamiliarity from the familiar. Everyday images undergo a small shift in perception to provoke new questions and new doubts where there were none before. We could consider Guilisasti to be a radical conservative: conservative in her use of supposedly outmoded forms of art (realism, landscape, still life), and radical in her pushing of these staid conventions to the realm of philosophy and doubt.

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La obra de Josefina Guilisasti genera una sensación de lo desconocido a base de lo conocido. Imágenes cotidianas sufren un leve cambio de percepción para suscitar nuevas preguntas y dudas donde antes no las había. En cierto modo podríamos decir que Josefina Guilisasti es una conservadora radical: conservadora porque emplea formas de arte supuestamente pasadas de moda (realismo, paisaje, bodegón), y radical porque insiste en estirar estas costumbres rígidas hacia el mundo de la filosofía y duda.